FEDERICO GARCÍA LORCA: LA CASA DE BERNARDA ALBA

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TEMÁTICA DEL TEATRO DE LORCA

•   La frustración, que puede manifestarse en forma de destino trágico, pasiones frustradas, instinto maternal o la lucha de la mujer por su libertad

•   Temas metafísicos

•   Temática social: la realidad psicológica de la mujer española

•   El amor y el sexo

CARÁCTERÍSTICAS DEL TEATRO DE LORCA

Es poético

Es experimental

Tiene unidad temática: el tema principal es el conflicto entre autoridad/libertad, que se suele presentar como:

•   Amor/fantasía

•   Amor/libertad

•   Amor/muerte

Finalidad didáctica, compatible con lo artístico

Enfoque social o popular, se identifica con el pueblo y con las clases marginales

Une tradición y vanguardia, lo que da lugar a que toque variedad de géneros

Uso de la prosa y el verso

Reproducción del lenguaje popular

Evoluciona de lo lírico a lo dramático

Uso de la simbología lorquiana

Importancia de los personajes marginales

PRODUCCIÓN TEATRAL

ETAPA INICIAL	•   El maleficio de la mariposa: obra simbolista. Tema amor-muerte •   Títeres de la cachiporra: guiñol •   Mariana Pineda: drama histórico en verso •   La zapatera prodigiosa: tema amor-fantasía •   Amor de don Perlimpín con Belisa en su jardín: farsa neoclásica y romántica: amor-muerte •   Retablillo de don Cristóbal. Farsa para guiñol
ETAPA VANGUARDISTA	•   El público: auto sacramental sobre la homosexualidad •   Así que pasen cinco años: tema de la paternidad imposible
ETAPA DE PLENITUD: las obras tienen características comunes: •   Protagonista femenina •   Problema sexual •   Presencia de la muerte •   Ambientadas en el campo andaluz	•   Bodas de sangre •   Yerma •   Doña Rosita la soltera •   La casa de Bernarda Alba

LA CASA DE BERNARDA ALBA

INTRODUCCIÓN

         Acabada dos meses antes de su asesinato, en 1936, Lorca no llegó a verla estrenada. Se hizo en Buenos Aires en 1945 y en España se representó por primera vez en 1964. Tiene una base real, Bernarda y sus hijas están inspiradas en las vecinas de la familia Lorca, a las que espiaba desde el pozo de su casa.

ARGUMENTO: En un pueblo andaluz, la despótica Bernarda Alba, al morir su marido, impone a sus cinco hijas un riguroso luto. en un ambiente sofocante, la tensión irá aumentando entre ellas. La mayor está prometida, pero su novio está enamorado de la más joven. El conflicto acabará trágicamente.

RESUMEN DEL ARGUMENTO

ACTO 1º

La obra empieza con la muerte del marido de Bernarda. Después de la misa por el difunto, todo el pueblo sedirige a casa de la viuda, donde las mujeres entran en la sala que previamente han preparado y limpiado las criadas. Mientras, los hombres se quedan charlando en el patio.

Ya en la casa, Bernarda hace murmurar a todas las vecinas con sus comentarios sobre si sus hijas merecen a los hombres de ese pueblo, luego todas empiezan a rezar.

Cuando todo el mundo se va, las hijas de Bernarda empiezan a hablar de la herencia que les ha dejado su padre. La que se lleva la mejor parte es la hija primogénita, Angustias. Las demás hermanas comentan la suerte de Angustias, ya que además de la herencia, el chico más guapo y apuesto del pueblo, quiere casarse con ella.

Luego Adela se pone a llorar por el luto que les ha impuesto su madre, ya que no podrán salir ni hablar con hombres en muchos años, a excepción claro está, de Angustias.

Más tarde, una de las hermanas anuncia que Pepe el Romano (el pretendiente de Angustias) para por la calle y van todas a verlo menos Adela, que primero se resiste y luego al final va.

Antes de asomarse a la ventana para ver a Pepe, Adela le abre la puerta a su abuela (Mª Josefa) a pesar de que su madre lo ha prohibido, pero ella lo hace para vengarse por el luto tan largo que les ha impuesto.

Mª Josefa se dirige a Bernarda, que en ese momento está en compañía de la criada Poncia, y le dice que a pesar de su edad ella también se quiere casar, y así poderse marchar de ese pueblo. Bernarda ordena a La Poncia y a sus hijas que la vuelvan a encerrar.

ACTO 2º

El acto empieza con la imagen de La Poncia y de las hijas de Bernarda (a excepción de Adela) cosiendo las sábanas para el ajuar de Angustias.

Empiezan a hablar de lo extraña que está Adela y de por qué no está allí con ellas. Siguen hablando y sacan el tema de Pepe el Romano, que según Angustias se marchó la noche anterior a la una y media (pero Martirio y La Poncia saben que se marchó mucho más tarde). Continuan hablando sobre la petición de mano que Pepe ha hecho a Angustias y La Poncia acaba contando cosas de su juventud.

Más tarde Adela sale de su habitación y Martirio le pregunta con ironía a qué se debe su falta de sueño, y lo hace porque tanto ella como La Poncia saben que Adela y Pepe se encuentran por las noches cuando el chico deja a Angustias.

Después Angustias descubre que alguien le ha robado la única fotografía que tiene de Pepe y se pone a gritar, se arma un alboroto al que Bernarda acude a calmar y manda a La Poncia que registre las habitaciones de sus hijas. Al final La Poncia encuentra la foto entre las sábanas de la cama de Martirio, y ésta dice que ha sido una broma, pero en realidad está disimulando.

Mientras La Poncia mantiene una conversación con Adela, donde descubre que la joven está enamorada de Pepe el Romano, en la calle se escuchan ruidos. Estos ruidos se deben al alboroto que arman unos hombres del pueblo que se llevan a una mujer a la montaña para abusar de ella como castigo por haber matado a un hijo ilegítimo que había engendrado. Adela se entera y pide clemencia por la mujer.

ACTO 3º

El acto empieza con la imagen de todas las hijas de Bernarda sentadas en la mesa comiendo. Prudencia, una señora del pueblo que ha venido de visita, le pregunta a Angustias cómo van los preparativos de su boda y ésta se los explica.

Prudencia se marcha y Adela sale al portal en compañía de Amelia y Martirio, mientras, Magadalena se ha quedado dormida en una silla y Angustias recoge la mesa. Bernarda que está presente en la escena, le pide a Angustias que hable con Martirio del tema del retrato.

Luego Bernarda le pregunta a Angustias si esa noche verá a su pretendiente y ella le contesta que no porque ha acompañado a su madre a la capital. Vuelven a entrar las otras tres hermanas y Bernarda las manda a todas a dormir.

Todas las mujeres de la familia se acuestan y La Poncia y la Criada se quedan hablando del tema del pretendiente. Y ya cuando las criadas se iban a retirar, aparece Adela con la excusa de que tiene sed. Cuando las criadas se marchan, Adela sale sin hacer ruido hacia la puerta del corral. Detrás se levanta Martirio, que la descubre y comienzan a discutir. Todo el mundo se despierta y Martirio le dice a Bernarda que Adela estaba con Pepe el Romano en el pajar. Por todo esto Angustias se siente desolada y Bernarda, después de reñir a Adela, coge una escopeta para disparar contra Pepe. Adela pensando que lo ha matado, sale corriendo hacia su habitación y se encierra en ella. Al fin Bernarda consigue abrir la puerta con un martillo y La Poncia encuentra a la hija menor muerta, Adela se ha suicidado.

EL GÉNERO

         Es difícil de determinar, de hecho la crítica ha discutido numerosas veces sobre considerarla tragedia o drama.

         Por un lado, se puede descartar que sea una tragedia porque los personajes no se enfrentan inútilmente a su destino, pero desde este punto de vista hay una excepción, el suicidio de Adela (la hija menor de Bernarda).

         Por otro lado, el autor cataloga esta obra como un drama de tipo social y humano. A parte de esto también se puede considerar como drama porque se mezclan sentimientos tales como el amor, la traición, el odio y la avaricia.

TEMA

         “la casa de Bernarda Alba” desarrolla el tema central de todo el teatro de Lorca, el enfrentamiento entre la autoridad y la libertad, ejemplificado en el binomio amor-muerte. En este caso, es el enfrentamiento entre una moral autoritaria, rígida y convencional(Bernarda y el pueblo) y el deseo de libertad (Adela y Mª Josefa). Bernarda solo quiere tener limpio su nombre y el nombre de la familia, sin tener en cuenta a sus hijas. Ella intenta privar a todas de todo aquello que no está “moralmente” bien, mientras Adela, su hija, y Mª Josefa, su madre luchan por ser libres. Ambas quieren escapar de esa cárcel, dirigida por Bernarda, que le niega todo aquello que más ansían, la libertad.

         La obra entera es un conflicto dentro de la casa. Las hijas de Bernarda quieren poder tomar decisiones, pero su madre es muy autoritaria y quiere dirigirlas en todo, quiere tener todo bajo su control y conocimiento. Bernarda impone un luto después de la muerte de su marido y varias hijas, entre ellas Adela, piensan que son jóvenes y tienen que disfrutar de la vida, por ello quieren librarse de la presión a la que están sometidas. Adela decide dar el paso y velar por su felicidad aunque sabe que no va a ser tarea fácil opinar en casa.

         Varios temas van aparejados al principal:

         El ansia de amor

         Las hijas de Bernarda quieren casarse y sentir el amor. Pero no lo dicen por temor a la posible actuación de su madre, ya que ella quiere que sigan estando solteras. La que más ansía este amor es Adela, que quiere unir su vida a la de Pepe el Romano. Todas las hermanas quisieran estar en la situación de Angustias, a pesar de que saben que Pepe no la quiere. El conflicto lo produce un amor imposible por el enamoramiento de 3 de las 5 hijas de Bernarda Alba y la oposición entre el amor y el deseo con la frustración y la desgracia como final.

         El sexo

         Está presente en toda la obra. Parte del ambiente asfixiante de la casa se debe a la tensión sexual no resuelta, motivo que también precipita el trágico desenlace. Las hijas son jóvenes y escuchan con curiosidad morbosa las historias de la Poncia y de otras mujeres del pueblo. Adela es la única que puede satisfacer sus deseos, y por ello es envidiada. Por otro lado, para Bernarda es importantísimo que sus hijas se alejen de los hombres, y no pierdan su virginidad. De hecho, es lo único que le importa cuando muere Adela.

         Las clases sociales: jerarquía y enfrentamiento

         Bernarda tiene claro que pertenece a la clase social alta y no tiene que emparentarse bajo ningún concepto con nadie que no esté a su nivel. Trata con altivez y crueldad a los personajes de clases más bajas. Ningún pretendiente es lo suficientemente bueno para sus hijas.

         La represión de la mujer

         Lorca ha querido denunciar la marginación de la mujer en la sociedad de su época, por una parte está la condena social de las mujeres de moral relajada, como es el caso de Paca la Roseta; y por otra la sumisión, a los hombres, de las mujeres honradas y decentes.

ESPACIO

         Tanta importancia tiene el espacio visible, el interior, la casa, como el invisible, el mundo exterior, del que sólo sabemos por los comentarios de los personajes. En la casa se vive un ambiente de dictadura escondida bajo la sobreprotección maternal. A lo largo de la obra, la casa da una imagen de austeridad y sobriedad, pero sobretodo de prisión, donde todos sus presos se sienten oprimidos dentro de esos muros por una una misma persona, Bernarda, que es el personaje que representa la autoridad máxima. La verja que separa un espacio del otro simboliza la atmósfera asfixiante que sufren los personajes

         El mundo exterior es un mundo rural regido por una sociedad donde gobierna el machismo y la hipocresía de las personas ante el que dirán, pero también simboliza la libertad. Del mundo exterior llegan ecos de erotismo desatado y de pasiones elementales.

TIEMPO

La obra sucede en un verano caluroso, lo que contribuye a que el ambiente de la casa sea infernal. La historia comienza al fin de una mañana, presidida por la muerte y el clamor de unas campanas, que sonarán a lo largo de la narración para rememorar el paso del tiempo:. El segundo acto sucede en la siesta y el tercero, al anochecer, pero no sabemos si del mismo día.

PERSONAJES

BERNARDA: su nombre significa “con fuerza de oso”. Es una mujer madura de 60 años que se casó dos veces, de su primer matrimonio tuvo una hija llamada Angustias y de su segundo matrimonio cuatro: Magdalena, Amelia, Martirio y Adela. Tiene un carácter fuerte, estricto, cruel y frío. Simboliza la máxima autoridad, es una mujer que se preocupa en exceso por la apariencia exterior que da ella y su familia y eso la induce a llevar un régimen familiar parecido a una dictadura.

ADELA:su nombre significa “de naturaleza noble”. es una joven de 20 años con un carácter humanitario y con ganas de vivir. Se puede decir que es alegre, ingenua y apasionada. Es la hija menor de Bernarda y la protegida de su padre, pero cuando éste fallece, se siente más desamparada ante su madre que las demás hermanas, por eso se exalta con más facilidad. Se caracteriza por su rebeldía y representa el ansia de libertad, por ello es la oposición a todas sus hermanas.

Mª JOSEFA: es la madre de Bernarda, una anciana de 80 años. Bernarda la mantiene encerrada para que la gente del pueblo no la vea, ya que piensan que está loca. Es el personaje que simboliza la opresión y el que rompe siempre con las tensiones de la casa. María Josefa, simboliza la opresión y nos indica que aunque exista un encierro físico, la libertad esta en el interior.

ANGUSTIAS: su nombre es sinónimo de pena y tristeza. es la hija mayor de Bernarda y tiene 39 años. Ella es la afortunada, tanto porque es la única que va a casarse como porque es la heredera, y por ello simboliza a la vez la suerte y la desgracia. Como la mayoría de sus hermanas, no se enfrenta a las cosas, sino que se resigna con lo que le imponen. Está prometida a un joven muchacho, llamado Pepe y del cual están enamoradas sus hermanas. Pepe es casi quince años más joven que ella y sólo la quiere por su dinero, y Angustias lo sabe.

MAGDALENA: su nombre significa mujer penitente y arrepentida. Es una mujer de 30 años, hija de Bernarda. Ella es la verdadera imagen de la resignación en la obra, ya que representa a una joven domada por la autoridad de su madre. Desea la libertad, pero no lucha por ella, se resigna. Ella sabe, igual que las demás, que Pepe no quiere a Angustias por su belleza, sino por su dinero. Magdalena, la domada, simboliza la resignación; el tiempo que le toca vivir a las mujeres de su época.

AMELIA: su nombre significa “sin miel”.es otra de las hijas de Bernarda y tiene 27 años. Ella representa la amiga, la que no da problemas (también otra muestra de resignación). Simboliza el miedo a la autoridad, sin rebelarse jamás.

MARTIRIO: su nombre significa sufrimiento.es una joven de 24 años y otra de las hijas menores de Bernarda. Ella simboliza la envidia y la maldad y todo ello se debe al amor que también siente por Pepe el Romano. Martirio envidia sobre todo el que Adela tenga la valentía de rebelarse contra su madre.

LA PONCIA: es una señora mayor de 60 años y una de las criadas de Bernarda. En ocasiones, ella y Bernarda no parece tener una relación jefe−empleado, sino más bien de amigas, aunque a pesar de todo no se llevan bien y Bernarda sabe mantenerla a raya. Lo que caracteriza a este personaje es la ironía con la que habla, representa la clase trabajadora de su época. Es muy curiosa y siempre está al acecho (porque tiene miedo de perder su trabajo), no sólo para alentar a Bernarda, sino para aliviar su curiosidad, es una manipuladora, y como no, es una metomentodo. La Poncia simboliza el pueblo que no se decide, que no tiene las ideas claras y que su corazón y su cabeza nunca están de acuerdo, por una parte, el corazón le dice entiende y ayuda a las hijas y por la otra se ve en el deber de obedecer a Bernarda.

CRIADA: es una mujer de 50 años y también criada de Bernarda. Este personaje simboliza el mal provocado.

PEPE EL ROMANO: es un joven apuesto del pueblo y tiene 25 años. Aunque no sale directamente en escena, es el personaje crucial, ya que es el motivo de todo lo que ocurre en la casa de Bernarda.  Representa el objeto del deseo y por él se desatan las envidias, los celos, el deseo sexual, etc., en definitiva simboliza el amor. Es un joven hombre muy atractivo. Tiene 25 años y es el foco de discusión en la casa de Bernarda Alba. Al final, este personaje me demuestra que es cobarde y no ha sabido ayudar a su amada, huye y la abandona a su suerte. Este personaje simboliza el amor y el desamor.

ESTRUCTURA DE LA OBRA

La obra se divide en tres actos y sigue el esquema de planteamiento-nudo-desenlace. En el primer acto se muestran las relaciones entre Bernarda, las criadas y las hijas. En el segundo se muestra el problema que provoca el amor de Pepe el Romano, creando un conflicto entre las hijas que estallará en el tercer acto. En este último, se resuelve el problema de forma trágica. Todas las emociones contenidas se desbordan y la verdad que se quiere ocultar sale al fin a la luz. Incluso en estos momentos, la autoridad ciega de Bernarda no acepta la cruda realidad de su familia, y el autor nos da a entender cómo una dictadura sin razón termina en tragedia.

         La obra tiene una progresión ascendente a medida que avanza el conflicto. Las escenas aparecen encadenadas. No sigue la regla de las tres unidades en lo tocante al tiempo, ya que con las referencias que hacen los personajes sobre el paso del tiempo, se deduce que la acción dura una semana y media aproximadamente. Dentro del esquema global que sigue la obra, dentro de cada acto tiene una estructura: situación de calma-conflicto-violencia.

EL SIMBOLISMO LORQUIANO EN LA OBRA

EL AGUA.

         El agua en Lorca es sinónimo de vida cuando está en movimiento y de muerte cuando está quieta. El pueblo no tiene ríos, sólo pozos envenenados. Es un pueblo muerto. La forma de liberarse es buscar el agua viva, como la madre de Bernarda, que quiere casarse a la orilla del mar. El agua adopta una simbología sexual en el caso de Adela, que se encuentra con Pepe el Romano con la excusa de que va a beber. Los personajes aluden en varias ocasiones a su sed,lo que equivale a su encierro y al ansia de libertad. El desenlace trágico viene anunciado en forma de nubes negras de tormenta.

LOS COLORES

         “La casa de Bernarda Alba” es una obra en blanco y negro. Blanco de la típica casa andaluza frente al negro del luto impuesto. Esta dualidad cromática se rompe dos veces gracias a Adela, que desafía a su madre incluso en el colorido, al aparecer con un abanico de colores y con un traje de seda verde. El verde en Lorca significa muerte.

OTROS SÍMBOLOS

         La casa: es una prisión, simboliza la privatización de libertad.

         La luna: simboliza el erotismo.

         El bastón, simboliza el poder de Bernarda, y su rotura, la rebeldía por parte de Adela.

         El caballo blanco es símbolo de sexualidad.

         La locura de la abuela Josefa, de ansia de libertad.

SIMBOLISMO DEL TITULO

         La protagonista indiscutible de esta obra es la propia casa donde transcurre la acción. Para ello debemos reparar en el título de la obra, no Bernarda Alba, ni Las hijas de Bernarda Alba, sino La casa de Bernarda Alba. La obra narra los acontecimientos que tienen lugar dentro y fuera de la casa. Esos dos mundos están separados por las tapias de la casa y difiere mucho lo que tiene lugar fuera de lo que pasa dentro. Como dijimos anteriormente, la casa se convierte, después de la muerte del marido de Bernarda, en un espacio estrictamente cerrado, donde no entra ninguna ráfaga de aire fresco, lo que, sumado al calor del verano, la convierte en un espacio «asfixiante». Se alude a la casa con palabras como «convento», «presidio» o «infierno», que deja ver claramente la sensación de los personajes estando dentro de la casa. Si tenemos en cuenta que de fuera de la casa llegan ecos de pasiones y erotismos desmadrados, como los de Paca la Roseta, la hija de la Librada, la mujer vestida de lentejuelas, nos damos cuenta que estamos en el mundo de la privación de la libertad, un mundo que pone barreras a las fuerzas de la vida y en el que se respira la muerte.

EL LENGUAJE

         Hay que destacar el diálogo. Un diálogo fluido e intenso. Predominan las réplicas breves y cortantes. Lorca recrea el lenguaje popular sin necesidad de aportar vulgarismos.

"EL SÍ DE LAS NIÑAS"

ARGUMENTO

Con El sí de las niñas, el neoclásico Leandro Fernández de Moratín consigue crear una obra de carácter netamente español a partir de la comedia dieciochesca francesa. La pieza, ligera e inteligente, consta de tres actos, está escrita en prosa y fue representada por primera vez en el año 1806, con gran éxito. Su argumento trata de una viuda que, al verse al borde de la miseria, decide casar a su hija con un hombre mayor de gran fortuna. Paquita, la muchacha, acepta los planes de su madre a pesar de estar enamorada de Don Carlos, sobrino de su futuro marido. Sorprendentemente, es Don Diego, el maduro galán rechazado, quien resuelve el problema casando a los jóvenes. Este desenlace inesperado es uno de los signos de modernidad de la obra.

FINALIDAD

         El sí de las niñas tiene como una de sus finalidades educar a los espectadores y moralizar las costumbres. El tema que desarrolla no es nuevo: la educación de la juventud y la libertad para elegir marido, ya que ambos estaban presentes en todas las comedias moratinianas. El asunto del matrimonio de conveniencia parecía preocupar a los escritores del siglo XVIII porque era un hecho real en la sociedad. Moratín defendía la familia como sostén de la sociedad, no ataca la institución familiar ni desprecia los matrimonios entre personas de edades dispares, pero advierte sobre los peligros en que puede desembocar la opresión sufrida por los jóvenes a la hora del matrimonio. Es la comedia en que es más categórica y evidente la condena de los métodos de educación de la época.

LA REGLA DE LAS TRES UNIDADES

•   ESPACIO

         La acción se desarrolla en una posada de Alcalá de Henares, en el camino de Guadalajara a Madrid, y en un espacio reducido a la sala de paso entre las habitaciones.  La simplificación del lugar es palpable: cinco puertas, una ventana, una mesa y sillas, cada uno con su función. La escasez de elementos escénicos obedece a la finalidad didáctica de la obra. El exceso de estímulos visuales puede distraer la atención del espectador y no hacerle captar el mensaje.

•   TIEMPO

         La acción de la comedia se desarrolla en diez horas, desde las siete de la tarde hasta las cinco de la mañana siguiente. Apenas hay referencias temporales. El tiempo viene indicado a través de juegos de luces que sugieren la evolución, y desempeña un papel dramático: el planteamiento se corresponde con el anochecer, el nudo con la oscuridad y el desenlace con el amanecer.

•   ACCIÓN

         Hay una sola acción, sencilla y concentrada. Moratín pensaba que si se amontonaban los episodios y las acciones, se distraería la atención del espectador y no se cumpliría la finalidad didáctica de la comedia.

PERSONAJES

         Son siete. Esta limitación en el número es un recurso necesario para respetar la unidad de acción. Están agrupados en  tres parejas, dos clases sociales: señores y criados. Los señores se agrupan en personas de edad: doña Irene y don Diego; y jóvenes: Paquita y don Carlos. Del mismo modo se agrupan los criados: de edad, Simón, y jóvenes: Rita y Calamocha.

         Doña Irene está acostumbrada a imponer su autoridad. Incapaz de la menor empatía, pretende que su hija continúe el sistema que a ella le había funcionado: casarse por conveniencia con un hombre mayor y rico. Es también la encarnación del egoísmo. Quiere el matrimonio de Paquita para asegurarse su propio bienestar económico. Además, es una charlatana incesante, insustancial, y don Diego y Paquita no pueden tener jamás una conversación a solas sin ser interrumpidos por ella.

         En cierto modo, encarna el espíritu didáctico del Neoclasicismo, pues su imposición no es sin argumentos, sino que trata de mostrar a su hija todas las ventajas que le reportará este matrimonio.

         Paquita en un primer momento parece un personaje sin profundidad, fruto de la educación neoclásica, que obligaba a obedecer a los padres. Sin embargo, ha sabido llevar una doble vida sin que su madre se enterase. Es casi un heroína prerromántica, pero le falta el espíritu de rebeldía para imponerse a la voluntad de sus mayores. Lo mismo se puede decir de don Carlos, dispuesto a todo hasta que se entera de que su rival es su propio tío, al que le debe respeto.

         Los criados desempeñan la función de confidentes sin establecer relaciones paralelas.

"LA CELESTINA"

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•   PROBLEMAS DE EDICIÓN Y AUTORÍA

         La Celestina es la obra más importante de la Edad Media, pero presenta numerosos problemas. El primero, que no se sabe a qué género pertenece. Su forma dialogada hace pensar en el teatro, pero sus 21 actos la hacen irrepresentable. Se la clasifica como “comedia humanística”, género creado por Petrarca en el siglo XIV, y está destinada a la lectura.

         El segundo problema afecta a las ediciones:

1499: consta de 16 actos y se titula “Comedia de Calisto y Melibea”

1500: con las mismas características que la anterior, pero añadiendo un prólogo en el que el autor explica cómo llegó el libro a sus manos y cómo escribió los 15 actos restantes en 15 días. En el prólogo hay también unos versos acrósticos con el nombre del autor.

Ediciones de 1502: ya constan de 21 actos y se titulan “Tragicomedia de Calisto y Melibea”

         El tercer problema es el autor. Hoy en día se apoya la teoría de los dos autores, basándose en las diferencias de estilo entre el primer acto y los demás. Los veinte actos restantes fueron escritos sin el menor género de dudas por Fernando de Rojas.

         El cuarto problema, es la escasez de datos que tenemos del autor. Se cree que ocultó su identidad porque era de familia de judíos conversos, de hecho, un miembro de su familia sufrió un proceso inquisitorial.

•   ARGUMENTO

Calisto, un joven noble, se enamora repentinamente de Melibea, siendo rechazado por ella. Angustiado y mal aconsejado por sus criados, decide recurrir a una alcahueta, Celestina, para que hechice a Melibea. Una vez conseguido, Celestina se niega a repartir la ganancia con los criados, los cuales la matan y por ello son ejecutados. Sus novias, deseando venganza, provocan un accidente para matar a Calisto. Al enterarse Melibea, se suicida tirándose desde una torre.

•   PROPÓSITO DE LA OBRA

Parece ser que en un  primer momento Rojas escribió La Celestina, según cita en su prólogo, con el propósito de advertir a los enamorados contra los malos criados y las hechiceras. Eso daría a la obra una finalidad didáctica.

Otra parte de la crítica opina que La Celestina es una parodia de la novela sentimental, cuyo principal exponente sería el personaje ridículo de Calisto, que presenta grandes similitudes con el protagonista de “Cárcel de amor”.

Otros estudiosos creen que la finalidad es puramente artística y que la intención de Rojas era simplemente entretener.

         Rojas nos ofrece una desolada concepción del mundo, ya que ve la vida humana en manos del  destino. Es una visión pagana que excluye la noción cristiana del pecado, por lo que los personajes no se sienten culpables de sus actos. La principal finalidad es advertir a los amantes sobre las consecuencias que acarrea el vivir un loco amor y el recurrir a una alcahueta para conseguirlo.

•   PERSONAJES

CALISTO: es una parodia de los protagonistas de la novela sentimental, concretamente del de “Cárcel de amor”. El personaje de Calisto está perfilado desde el primer acto como cómico, ridículo y grotesco, por lo que se cree que Rojas no pudo convertirlo en personaje trágico. Su comportamiento es propio de un chiflado. Sus criados no le tienen respeto y tanto ellos como Celestina se aprovechan de él. Merece morir porque se salta todas las reglas del amor cortés, ya que sus intenciones hacia Melibea son ilícitas.

MELIBEA: es el personaje más trágico de la obra. No es responsable de sus actos porque actúa bajo la influencia de un hechizo y deja entrar a Celestina en sus casa movida por la caridad, e intenta echarla cuando se da cuenta de sus propósitos. Se enamora de Calisto gracias a un hechizo. Se nos presenta como el prototipo de belleza renacentista. Además es una mujer de gran cultura y superior a Calisto en todo menos en linaje. Es la única que muere dignamente y que es libre para elegir su propia muerte.

         CELESTINA: es la encarnación de la avaricia, ya que lo único que la mueve es el dinero y la capacidad de decidir las acciones de los demás. Actúa como una especie de dios maléfico, consiguiendo que todos hagan lo que ella quiere. Ello es debido tanto a sus poderes mágicos como a su capacidad de persuasión.

         LOS CRIADOS: Sempronio es el criado malo y Pármeno el bueno. Se vuelve malvado por la avaricia y la lujuria, ya que intenta avisar a Calisto sobre cómo es Celestina, pero la vieja, más astuta que él, consigue ponerlo a su favor prometiéndole el amor de Areúsa. Ambos son cínicos, corruptos y muy poco leales a su amo. Mueren por haber a Celestina.

         LAS PROSTITUTAS: son las actantes de esta historia. Provocan la muerte de Calisto y Melibea. Son modernas e independientes. Tienen un carácter marcadamente feminista, ya que no quieren depender de ningún hombre en concreto, por lo que se dedican a la prostitución.  Elicia es la heredera del negocio de Celestina. Areúsa, al igual que Pármeno, cambia a lo largo de la obra y va adquiriendo independencia a medida que avanza la historia. Ambas son las responsables de las muertes de Calisto y Melibea, por venganza.

En La Celestina tienen mucha más importancia los personajes femeninos que los masculinos. Además de influir en el desarrollo de la trama salen mucho mejor parados.

•   ESTILO

Se le considera un modelo en su tiempo porque es el primer autor que hace hablar a los personajes según su condición social y las circunstancias en que actúan. Es, además, un reflejo extraordinario de la sociedad de su tiempo, pues hace un perfecto cuadro de costumbres de la España del siglo XV.

CERVANTES: "EL QUIJOTE"

1. VIDA

Nace en Alcalá de Henares, en 1547. Fue soldado y luchó en la batalla de Lepanto, donde perdió el movimiento de la mano izquierda. Volviendo a España, su barco fue apresado por los turcos y estuvo preso en Argel cinco años.

                  De vuelta a España, se emplea como cobrador de rentas del Estado, pero es acusado de fraude. Sale exculpado y publica “el Quijote” en 1605.

                  Muere el mismo día que Shakespeare, el 23 de abril de 1616. El día del libro se hace en esta fecha en su honor.

                  Aunque pasa a la historia como novelista, también fue poeta y dramaturgo. El teatro fue su gran vocación. Destaca sobre todo por sus entremeses.

2. PRODUCCIÓN EN PROSA

Novela pastoril: La Galatea

Novela sobre pícaros: Rinconete y Cortadillo

Novela bizantina: Persiles y Segismunda

Novela corta: las novelas ejemplares.

         Aborda prácticamente todos los  géneros de la prosa de la época. Su obra en prosa destaca por su verosimilitud y por ser fiel reflejo de la sociedad de la época. El lugar que ocupa en la literatura mundial se lo debe a sus excepcionales dotes de narrador. Tocó todos los géneros de su tiempo, menos la novela morisca. Criticó los libros de caballerías y la novela picaresca. Y se dedicó a la novela experimental introduciendo en España un género de moda en Italia: la novela corta. Su estilo es incompatible con la fantasía, por eso sus mejores novelas son las realistas.

3. “EL QUIJOTE”

         Es la obra cumbre de nuestra literatura. Consta de dos partes (1605), (1615).

         Argumento

         Consta de tres salidas, dos en la primera parte y una en la segunda. El hidalgo Don Quijote vive en la Mancha de las rentas de sus tierras y enloquece leyendo libros de caballerías. Decide lanzarse al mundo como caballero andante para combatir las injusticias. Llega a una venta que toma por castillo, donde se arma caballero entre el choteo general. Tras algunas vicisitudes, vuelve a su aldea. Allí convence al labrador Sancho Panza para que sea su escudero. Tras varios días de aventuras, el barbero y el cura lo van a buscar, lo llevan a casa y queman sus libros de caballerías.

         La segunda parte nos cuenta la tercera salida de don Quijote, que llega a la corte de los Duques en Aragón. Estos se divierten a su costa hasta que Don Quijote se marcha a Barcelona, donde es vencido por su amigo Sansón Carrasco, disfrazado de caballero de la Blanca Luna. Sansón le obliga a volver al pueblo y don Quijote obedece; ya en su casa decide hacerse pastor, pero enferma y muere después de recobrar el juicio y renegar de los libros de caballerías.

         Orígenes

         La idea surge de la obra El entremés de los romances, en la que un ignorante labrador pierde la razón leyendo el Romancero, e intenta imitar las hazañas de los héroes medievales. Cervantes escribe entonces “el Quijote” para ridiculizar las novelas de caballerías, que aborrecía, pues consideraba que  eran inverosímiles, fantasiosas y mal escritas. Hace que el pacífico Don Quijote enloquezca con su lectura, y se lance a la aventura en un mundo real que se ríe de su locura. Todas sus aventuras acaban desastrosamente, pero don Quijote entra en contacto con todos los ambientes de la vida española de su tiempo, con lo que la obra se convierte en un testimonio excepcional de la España de su época.

         Tuvo un éxito sin precedentes y enseguida fue traducida a varios idiomas, pero en su día Cervantes no consiguió su propósito de que se la considerara una crítica a las novelas de caballerías, sino que fue vista como una obra cómica.  Gustó tanto que le encargaron la segunda parte. Cervantes accedió, pues estaba agobiado por las deudas. Un año antes de la publicación, en 1614, un tal Avellaneda publica una continuación de ”el Quijote”, lo que hizo sufrir mucho a Cervantes. Se supone que era la venganza de algún enemigo suyo. La obra es bastante inferior al original en cuanto a calidad literaria y entre otras cosas obligó a Cervantes a reescribir parte de la suya y a modificar el plan original, pues coincidía con la de Avellaneda. La segunda parte de ”el Quijote”, además, presenta  referencias continuas al libelo.

         Diferencias entre ambas partes

         El desfase de quince años entre ambas partes, entre otros factores, hace que haya profundas diferencias entre ambas. En lo tocante a la estructura externa, la primera parte contiene dos salidas y la segunda una, lo que hace a la segunda parte mucho más densa que la primera.

         La primera parte tiene novelas intercaladas, ya sean relatos de algún  personaje o acciones paralelas a la acción principal, mientras que la segunda no tiene novelas intercaladas, sino que es un relato lineal sin historias al margen de la acción principal.

Primera parte

Segunda parte

1-dos salidas 2-tiene novelas intercaladas, ya sean relatos de algún personaje o acciones paralelas a la acción principal. 3-aventuras son espontáneas 4-Poco marco geográfico: don Quijote llega hasta sierra Morena, en la frontera entre la Mancha y Andalucía 5-Improvisación: Don Quijote no se preocupa por la comida, el dinero o el alojamiento, pues cree que su condición de caballero andante lo exime de esas cosas. 6-don Quijote es idealista 7-Sancho es realista

1-una salida 2-no tiene novelas intercaladas relato lineal sin historias al margen de la acción principal 3-aventuras programadas con un objetivo concreto 4-Se amplía el marco geográfico hasta Barcelona 5-Planificación: viajan con dinero, provisiones y pagan su alojamiento 6-sanchificación de don Quijote 7-Quijotización de Sancho

         Pero la mayor diferencia entre ambas partes radica en la evolución psicológica de los protagonistas. En la primera parte son anónimos, y en la segunda, todo el mundo los conoce. Don Quijote es al principio optimista, noble y generoso, no se da nunca por vencido ante la adversidad, animado por el amor de su  dama Dulcinea y no conoce el miedo. Sancho es todo lo contrario: egoísta, rudo, realista y materialista. Actúa como la voz de la conciencia d”el Quijote” y su función es mostrarle la realidad tal y como es. En la segunda parte la convivencia empieza a mezclar los rasgos de ambos caracteres, hasta el punto de que se habla de una quijotización de Sancho y una sanchificación de don Quijote. A ello contribuye la ilusión de Sancho por ser gobernador de la ínsula y la desilusión de don Quijote por no poder desencantar a Dulcinea. En la segunda parte Don Quijote va volviendo progresivamente a la realidad hasta la muerte, mientras Sancho se contagia de la nobleza de carácter de su amo, de lo cual tenemos abundantes ejemplos en el capítulo de la ínsula.

Valor de ”el Quijote”

         Sería ridículo pensar que Cervantes sólo escribió “el Quijote” para parodiar los libros de caballerías. Una vez creado el personaje central, debió encariñarse con él, superando su antiguo propósito y limitándose a desarrollar la personalidad del héroe. Los primeros lectores sólo acertaron a ver sus elementos cómicos, pero más tarde la atención se fijó en otros aspectos: principalmente, la incomprensión de los demás ante lo que él hace por ayudar al prójimo. En el siglo XVIII ya se considera obra clásica. Pero es en el siglo XIX, durante el Romanticismo, que exaltaba los valores filantrópicos del ser humano, cuando don Quijote se convierte en símbolo de la verdad, de la justicia y del hombre que lucha por sus ideales, y Sancho, en símbolo de la fidelidad. Así, “el Quijote” se convierte en mito de la literatura universal, porque universales son los valores que transmite.

LA LITERATURA EN EL SIGLO XVI: EL RENACIMIENTO

         El siglo XVI representa el final de la Edad Media y el comienzo de la Edad Moderna, debido a los siguientes cambios:

•   A nivel político: en toda Europa se pasa de la monarquía feudal a la monarquía absoluta como sistema de gobierno. El rey asume todos los poderes: legislativo, ejecutivo y judicial.

•   A nivel social: la burguesía emprende un ascenso importante, pues tiene el poder económico. La reforma protestante acaba con la hegemonía del catolicismo.

•   A nivel cultural: se constituye la cultura del Renacimiento. Las lenguas romances alcanzan la categoría de lenguas oficiales. La cultura se halla en pleno desarrollo. El descubrimiento de América marca un hito en la historia de la humanidad y trae consigo un gran avance en los estudios geográficos. Se desarrollan todas las artes, siguiendo el canon de los clásicos grecolatinos.

         En España, el siglo puede dividirse en dos períodos, pertenecientes a los reinados de Carlos I (1516-1554) y Felipe II (1554-1598).

         Históricamente, el reinado de Carlos I trae consigo la creación del Imperio, ya que el rey anexiona por herencia los territorios de Flandes y Nápoles, además de los ganados con el descubrimiento de América. Mantener los territorios obliga al estado a estar continuamente en guerra, principalmente en Flandes, Nápoles y Turquía. España se enriquece económicamente con el oro procedente de las colonias, destinado principalmente al mantenimiento de los ejércitos. Al mismo tiempo, se produce la expulsión de los judíos y moriscos y crece la obsesión por la limpieza de sangre y ser cristiano viejo. Durante este período, España recibe todas las influencias paganas del renacimiento italiano con entusiasmo, mientras que el castellano adquiere rango de lengua oficial.  El reinado de Felipe II se ve marcado por la guerra con Inglaterra, a la vez que se produce la pérdida de los primeros territorios y el descenso del oro americano, que se gasta con la misma rapidez con la que llega, para financiar las continuas guerras. A mitad de siglo, se produce la reforma protestante y la contrarreforma católica (Concilio de Trento, 1554). Felipe II, hijo de Carlos I y obsesionado con frenar el avance del protestantismo, cierra la puerta a cualquier idea extranjera, incluso prohibe a los españoles estudiar en universidades europeas. La expulsión de los moriscos trae consigo la crisis agraria, pues ellos eran expertos en cultivos. Las ideas del renacimiento se nacionalizan y cristianizan y dan a España un carácter único en su especie.

•   EL RENACIMIENTO

         Es el movimiento artístico del siglo XVI que surge por continuidad del Humanismo y propone la exaltación de lo terrenal y los modelos de la Antigüedad Clásica como formas de perfección artística.

         La cultura del Renacimiento se caracteriza por:

•   Exaltación vitalista de la vida terrenal

•   El estudio es un modo de perfeccionamiento del ser humano

•   La perfección artística hay que buscarla en los griegos y romanos

•   El buen gusto está en el equilibrio

Durante el Renacimiento triunfa el Humanismo, movimiento cultural iniciado ya en el siglo XV que proponía el desarrollo de todas las capacidades del hombre a través del estudio, y también el Erasmismo. Erasmo de Rotterdam fue el humanista más influyente. Contribuyó a la difusión de los clásicos y propuso una espiritualidad cristiana más  basada en la oración que en el culto. Sus ideas fueron perseguidas durante el reinado de Felipe II.

Por otro lado,  en el Renacimiento español se observan dos tendencias: una idealista, que sigue las características del Renacimiento italiano y coincide con el reinado de Carlos I, y otra realista, que hace una observación crítica de la realidad y coincide con el reinado de Felipe II.

•    LA POESÍA DEL SIGLO XVI

         En 1526 el poeta español Juan Boscán conoce al embajador italiano Andrea Navagiero e introduce las formas poéticas italianas en España.

         La poesía del siglo XVI presenta dos tendencias fundamentales: una sigue la tradición castellana precedente, y otra, renovadora, se desarrolla bajo la influencia de los autores italianos y los clásicos griegos y romanos.

         Hay muchas novedades en cuanto a la forma. En métrica, el verso preferido va a ser el endecasilabo, sobre todo en el soneto. Las estrofas favoritas son, además del soneto, la silva, la estancia y la lira. En cuanto a los géneros, se recuperan algunos de la literatura clásica griega como la oda, para la reflexión moral; la epístola, para temas familiares y la égloga, protagonizada por pastores enamorados.

         Los temas que destacan son los siguientes:

•   EL AMOR. La poesía amatoria del Renacimiento se centra en el proceso psicológico del amante, en la descripición de sus sensaciones y sentimientos. El amor es fuente de frustración para el amante, que no logra conseguir su propósito o que pierde la felicidad alcanzada. En este caso, el modelo a seguir es el poeta italiano Petrarca. También hay otra tendencia, basada en las ideas del filósofo griego Platón, que considera el amor como un reflejo del amor de Dios, un sentimiento que dignifica a la persona sin hacerla sufrir.

•   LA NATURALEZA. Se concibe como un lugar idealizado y relajante, ideal para expresar los sentimientos amorosos. A este tema se le denomina LOCUS AMOENUS.

•   LA MITOLOGÍA. Se utiliza a los dioses griegos y romanos como motivos literarios o símbolos de las fuerzas de la naturaleza.

•   EL CARPE DIEM: invita a disfrutar de la juventud antes de que llegue la vejez.

•   LA BELLEZA: se recupera el canon clásico de la escultura griega y de describe a la mujer empezando por la cabeza. Es una belleza estereotipada: cabello rubio, piel blanca, ojos verdes, mejillas rosadas, labios rojos...

•   TEMAS MORALES: responden a los cambios sociales de la época con la Contrarreforma. Avisan contra los engaños del mundo.

•   TEMAS RELIGIOSOS: tienen dos variantes, de un lado, la ascética, que da consejos para purificar el alma con vistas a que ésta se una a Dios; de otro, la mística, que explica el proceso del contacto del alma con Dios de una forma metafórica.

•   TEMAS ÉPICOS: recrean episodios de guerras recientes, como en la conquista de América, la guerra contra los turcos, etc.

•   Autores:

•   GARCILASO DE LA VEGA: representa el ideal del hombre del Renacimiento y es seguidor de la variante italiana de la primera mitad de siglo. Su obra poética abarca 38 sonetos, cinco canciones, tres églogas, dos elegías, una epístola y varias coplas. Su tema favorito es el amor al estilo de Petrarca

•   FRAY LUIS DE LEÓN: es el principal representante de la poesía ascética. En la mayor parte de sus poemas reflexiona sobre la vanidad del mundo material y propone una vida sencilla y apartada para propiciar el encuentro con Dios. Destaca por la “Oda a la vida retirada” y “La profecía del Tajo”.

•   SAN JUAN DE LA CRUZ: es el representante de la poesía mística. Destaca por sus poemas en clave simbólica amorosa en los que narra la unión del alma con Dios. Su lenguaje poético se enmarca dentro de las formas renacentistas y la estrofa que utiliza con más frecuencia es la lira. Destaca por dos obras: “Noche oscura del alma” y “Cántico espiritual”.

LA PROSA DEL SIGLO XVI

         1. Principales géneros

         Durante el siglo XVI la prosa se caracteriza por la convivencia de géneros ya existentes con otros de nueva creación.

         Destacan los siguientes géneros:

1. NOVELA DE CABALLERÍAS: los libros de caballerías continúan la tradición iniciada en el siglo XIII con enorme éxito. Relatan las hazañas típicas de los poemas épicos medievales. La más importante es "Amadís de Gaula", de Garci Rodríguez de Montalvo.

2. NOVELA MORISCA: es un género nuevo, fruto de los años de convivencia de la Reconquista. Relata la convivencia tolerante entre cristianos y musulmanes. Destaca la "Historia del Abencerraje y la hermosa Jarifa".

3. NOVELA BIZANTINA: también es un género nuevo, de tradición griega. Es una novela que relata las aventuras de dos enamorados en un país lejano y exótico. La más representativa es "Persiles y Segismunda", de Miguel de Cervantes.

4. NOVELA PASTORIL: Género nuevo traído de Italia. Relata las historias amorosas de unos pastores refinados en un marco idealizado. Destaca los "Siete libros de Diana", de Jorge de Montemayor.

5. NOVELA PICARESCA: no sólo es un género nuevo, también es auténticamente español. Resulta novedoso porque es la primera vez que una novela se ocupa de los sectores más desafortunados de la sociedad. Transcurre en un ambiente de miseria y pobreza y el protagonista es el pícaro, niño pobre que tiene que servir a varios amos y robar para no morir de hambre. Sus enseñanzas nunca son edificantes. La más importante es “El Lazarillo de Tormes”.

6. LA NARRACIÓN BREVE: combina la tradición medieval de los exempla con los cuentos de Boccaccio. Son narraciones breves con intención moral. Destaca “El Patrañuelo” de Juan de Timoneda.

7. DIÁLOGOS: género procedente de la Grecia clásica. Consiste en que varios personajes se reúnan para hablar sobre distintos temas, dando cada uno su opinión. Destaca Juan de Valdés con el “diálogo de la lengua”.

8. PROSA RELIGIOSA: los autores ascéticos dan preceptos y consejos, como Fray Luis de León con “La perfecta casada”; los místicos hablan de su propia experiencia, como Santa Teresa de Jesús con “Las moradas”.

EL TEATRO EN EL SIGLO XVI

         Hasta la primera mitad de siglo, el teatro es heredero del de la Edad Media, y se representaba en circunstancias muy concretas. No había espacio físico propio y se representaba en iglesias, la calle, y los palacios de la corte. El teatro llega a España de la mano de las compañías italianas, pero el iniciador del teatro moderno es el dramatugo Lope de Rueda. Viendo el negocio lucrativo en el que se convierte, surgen las primeras compañías profesionales.

         En la segunda mitad de siglo llega la gran revolución teatral, debido a dos causas:

         La llegada a España de la Commedia dell´arte

         surgen los corrales de comedia como lugares de representación,  con lo que a partir de ahora el teatro dispondrá de un espacio físico propio y perdurable.

         Los géneros teatrales variaban según el tipo  de público, así, tenemos un teatro populista, orientado a los gustos del pueblo, que representaba teatro religioso medieval. También había un teatro cortesano que traía las novedades italianas e iba orientado a la nobleza, y un teatro erudito orientado a los universitarios, que  seguían el modelo clásico grecolatino.

         En cuanto a los autores, destacan cuatro:

Bartolomé Torres Naharro: sienta las bases de la futura comedia del siglo XVII. Entre sus novedades destaca la división de la obra en jornadas, la creación del introito o monólogo de carácter cómico recitado al principio de la obra; introduce el tema del honor y crea la pareja gracioso-criada.

         En la 2ª mitad destacan tres autores:

Lope de Rueda: desarrolla el teatro popular e introduce los temas nacionales. Destaca por su gusto por exagerar los caracteres de los personajes.

Juan de la Cueva: se especializa en temas históricos y nacionales.

Miguel de Cervantes: puede ser considerado el creador del entremés, obra de teatro breve para representar durante un entreacto.